Florence Lawrence, Inventora y la primera estrella del cine.

Florence Lawrence fue una actriz canadiense, hija de una actriz de vodevil, que había perdido a su marido al poco de nacer la pequeña Florence. Acostumbrada a moverse entre bambalinas, se subió al escenario con tan solo tres años. En cuanto se hizo mayor probó suerte en el cine donde además de actuar, tenía que maquillarse, coser su vestuario e incluso pintar los decorados. 

D.W. Griffith la fichó para la Biograph Studio donde solo tenía que actuar. Allí conoció al que sería su marido Harry Solter, director y actor, con el que formó una pareja artística muy creativa. Al público le gustó su cara y empezó a conocerse como "La chica de la Biograph". Ella consciente del tirón que tenía reclamó una subida de salario para ella y su marido y ambos fueron despedidos. 

Carl Laemmie, que luego fundaría la Universal, les fichó a ambos y lanzó la primera campaña publicitaria del cine. Hizo correr el rumor de que "La chica de la Biograph" había fallecido atropellada por un coche en Nueva York. Los medios ávidos de sensacionalismo convirtieron en noticia el rumor y la gente lloró a la desconocida actriz convirtiéndola en un ídolo. 

Inmediatamente Carl desmintió la noticia anunciando que no solo no había muerto, sino que estaba rodando varias películas para su compañía. Los titulares anunciando que Miss Lawrence está viva acapararon las portadas de los diarios y los medios acusaron de falso rumor a su anterior compañía. 

Ya no era la chica de la Biograph, era Florence Lawrence y el público estaba deseando ver sus películas 

Algo era cierto en todo aquel montaje "La chica de la Biograph había muerto y había nacido la primera estrella de cine. 

Como anécdota de esta actriz comentar que se convirtió en una gran aficionada a la automoción cuando conducir era un caos por la falta de normas. Después de sufrir un golpe por detrás con su auto, diseñó un sistema de señales luminosas por el que pulsando un botón indicaba al vehículo que venía tras ella para donde se iba a dirigir, También con el mismo sistema avisaba de cuando iba a parar. Nunca patentó este invento.



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Se llamaba Florence, fue estrella de cine e inventó el intermitente, pero murió sin reconocimiento alguno

Florence Lawrence en wikipedia


Groucho y su truco del puro

Desde su primera película los Hermanos Marx definieron los personajes que iban a representar desde ese momento. 

Harpo, asumió el papel de mudo que tocaba el harpa y la imagen en la que vestía una gabardina de la que es capaz de sacar cualquier cosa de sus bolsillos. 

Chico, el liante que tocaba el piano, inseparable de su sombrerito. 

Zeppo que no aparecía en todas las películas, era el galán. 

El cuarto hermano, Groucho, era el alma del grupo. Con levita, un bigote pintado y su inseparable puro tenía la apariencia de respetable. Era capaz de pasar del disparate a la más mordaz sátira y generar una profunda reflexión. 

Era frecuente ver a Groucho Marx en la pantalla con un cigarro puro. Más que un vicio era un recurso interpretativo que aprendió cuando, con sus hermanos, había recorrido varias veces los Estados Unidos con su espectáculo de vodevil. 

Un viejo comediante le enseño un truco: «Si te olvidas una línea, todo lo que tienes que hacer es ponerte el cigarro en la boca y fumar hasta que te acuerdes de lo que te has olvidado». Nunca lo olvidó y usó el puro no solo para ganar tiempo ante un olvido, también lo usó para separar frases ingeniosas y dar tiempo al público a reír, y sobre todo para crear una imagen para la historia.




Rita Hayworth, unos difíciles comienzo

Margarita Carmen Cansino, nació en Brooklyn el 17 de octubre de 1918, sus padres eran bailarines. Eduardo Cansino, su padre, era un bailaor sevillano que emigró a Estados Unidos, su madre Volga Hayworth, era bailarina anglo-irlandesa del Ziegfeld Folies. 

La infancia de Rita no fue feliz. Tal como comentó en una entrevista: “Desde que pude mantenerme en pie con tres años, recibí clases de baile. No me gustaba, pero no tenía el valor de decírselo a mi padre. Ensayar, ensayar y ensayar. Así fue mi infancia”. La actriz ya era bailarina profesional con 13 años y hacía pareja con su padre. Eduardo Cansino además de explotar a su hija, abusó de ella sexualmente durante años, y esto dejó marcada a Rita durante toda su vida. 

Un productor de la Fox se fijó en aquella joven morena y atractiva durante una actuación en un club nocturno de Tijuana y le propuso una carrera cinematográfica como la nueva Dolores del Río. A partir de entonces pasó a ser Rita Cansino y debutó en la industria a los 16 años con un breve papel en "El infierno de Dante" (1935). 

Rita se caso con Edward Judson cuando sólo tenía 18 años, era la única manera de escapar de la explotación y los abusos de su padre. Su marido, que conocía muchos productores de Hollywood, prometió convertirla en una estrella de cine, pero el camino que le planteó para llegar a la fama no era mejor que el que le había llevado hasta allí. Su marido le dejó claro que no dudara en acostarse con cualquier hombre que pudiera ayudarla en su ascenso al éxito. 

Judson, que había estado casado en dos ocasiones anteriores, solo veía a Rita como una inversión. El siguiente paso era un cambio radical de imagen. Rita se vio obligada a adelgazar unos cuantos kilos y someterse a una depilación para que su frente fuese más amplia a base de electrólisis, y así retrasar la línea del nacimiento de su pelo que paso a ser rojo cobrizo. 

Tras la metamorfosis, adoptó el apellido materno. Había nacido la actriz Rita Hayworth







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Gloria Grahame, La estrella de Hollywood que no murió en Liverpool

Algunos dicen que fue una desafortunada operación de belleza que cambió su dicción pero fue la dictadura sexista de Hollywood la que jubiló a Gloria Grahame, como a tantas otras, enviándola a las tablas del teatro y relegando al olvido. 

Aceptó la vuelta al teatro trabajando entre Londres y Los Ángeles donde residían sus cuatro hijos. Gloria se había casado cuatro veces. Entre sus maridos, el segundo fue el director Nicholas Ray y el cuarto el hijo de este. El escándalo también le pasó factura en un Hollywood demasiado conservador.

Fue mientras trabajaba en una obra en Londres cuando conoció a Pete Turner, un vecino treinta años más joven que ella, que buscaba un sitio en la escena londinense. La diferencia de edad no fue un obstáculo para que Gloria Grahame añadiera el amor al último capítulo de su vida. Ella vivía y vestía de una manera normal, nada que ver con una estrella de Hollywood, y él se enamoró de ella sin saber quien era. Por una casualidad supo que la mujer a la que amaba había ganado un oscar y había protagonizado películas como "Deseos humanos", "Los sobornados", "En un lugar solitario" o "Cautivos del mal" por la que gano el Oscar.

Vivieron un romance entre Los Ángeles y Londres donde conocieron a sus respectivas familias, con distintas acogidas. Mientras la de Gloria veía con malos ojos que volviera a caer en una relación con un joven, la de Pete adoraba a Gloria. 

Un día Gloria cortó la relación sin ninguna explicación y Pete al que le costó superarlo, volvió a su vida volcándose en el teatro. Algún tiempo después Gloría le llamó, estaba actuando en Londres por última vez, iba a volver a Los Ángeles cuando terminara las representaciones para no volver. Cuando el joven actor fue a visitarla al hotel donde se alojaba vio que estaba gravemente enferma. La llevó a su casa donde, junto a su familia, se hizo cargo de sus cuidados. Cuando se puso en contacto con sus hijos, descubrió que ellos tampoco sabían la situación de Gloria que padecía un cáncer terminal. Uno de ellos fue hasta Londres para llevarla de vuelta. 

Gloria Grahame murió, como si de un guion de sus películas se tratara, solo tres horas después de llegar a Estados Unidos. 

Las palabras de Humphrey Bogart, compañero de reparto en "En un lugar solitario", podían ser perfectamente las de Pete Turner: “Nací cuando ella me besó, morí el día que me abandonó y viví el tiempo que me amó”.


La historia de los últimos años fue fantásticamente llevada al cine por Paul McGuigan en "La estrellas de cine no mueren en Hollywood".  Annette Bening fue Gloria Grahame y por ese papel obtuvo la nominación al oscar, y un fantastico Jamie Bell fue Pete Turner. Un gran homenaje a una grandísima actriz.







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Tippi Hedren, demasiado mayor para triunfar

Tippi Hedren saltó a la fama con la película Los Pájaros, dirigida por Alfred Hitchcock en 1963. La actriz tenía 33 años. Hollywood, y la sociedad en general, consideraban que una chica de esa edad era demasiado mayor para dar el salto al estrellato. Por este motivo Hitchcock obligó a la actriz a mentir sobre su edad cuando empezó la promoción de la película. Para todo el mundo Tippi tenía 28 años, una edad más conveniente para triunfar. 

Tras la promoción se mantuvo la mentira y no fue hasta casi cincuenta años después cuando la actriz hizo pública su edad y porque había mentido. Cuando cumplió 86 años publicó en sus memorias que Hitchcock la había obligado a mentir sobre su edad, aunque a ese aspecto no le daba tanta importancia como a su obsesión por ella como por todas sus actrices, hasta el punto de prohibir hablar fuera de escena con sus compañeros de reparto.




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Tócala Sam, déjame recordar

Cuando hablamos de Casablanca, entre los recuerdos que nos vienen es el de Ingrid Bergman pidiendo a Dooley Wilson "Tocala Sam, toca el tiempo pasará". Se imaginan como sería la película sin esa canción. 

A Max Steiner, responsable de la banda sonora del film, no le gustó que los dos momentos musicales que estaban en la película, el del Himno de la marsellesa, y el de "As time goes by" no fueran originales. la carga emocional del himno francés era inevitable en la película pero intentó por todos los medios cambiar el tema principal por uno original suyo. 

As time goes by había sido compuesta por Herman Hupfeld en 1931 para la comedia musical teatral "Everybody is welcome", en los siguientes años consiguió cierta fama gracias a distintas versiones.

Steimer presentó una canción basada en la música original que iba a ser el soporte musical del film, e interpretada por Dooley Wilson. Consiguió convencer a los productores. A Michael Curtiz no le gustaba la idea pero la tuvo que aceptar. Había que rodar de nuevo la escena del piano. Los escenarios estaban y solo había que recuperar el vestuario. Todo estaba preparado. 

Convocaron a Ingrid Bergman a una reunión con la productora, Steimer y Curtiz para comunicárselo y cuando ella se presentó el proyecto se vino abajo inmediatamente. La actriz ya había empezado a preparar su siguiente proyecto y lucía el corte de pelo radical con el que aparece en "Por quién doblan las campanas". 

Steimer contrariado tuvo que adaptar la banda sonora al tema principal con el que todos asocian la película. 

Y el tiempo pasó y As time goes by se convirtió en la canción más famosa de la historia del cine.



Garbo rie

Hacía casi una década que Greta Garbo había dado el paso al cine sonoro con un rotundo éxito tras otro, Mata-Hari, La reina Cristina de Suecia, Gran Hotel, Ana Kerenina, La dama de las camelias, Maria Walewska y Anna Christie en la que por ser su primera película sonora se utilizó el eslogan “Garbo habla” que levantó una grandísima expectación. 

Con el estreno en 1939 de Ninotchka se utilizó una publicidad similar. “Garbo ríe”. No era que la Garbo no hubiese reído antes, lo que se quería recalcar era la primera incursión en la comedia de la Divina.

Ninotchka obtuvo un éxito relativo, pero su siguiente comedia, “la mujer de dos caras” de 1941 fue un terrible fracaso. Estaban llegando nuevas actrices al estrellato y el público le fue retirando su favor paulatinamente. 

Mayer rescindió su contrato y Garbo tomó la decisión de retirarse con treinta y seis años.




Garbo habla

“Dame un whisky con ginger ale y no seas pegajoso.” Y el público suspiró aliviado. Fue la primera frase que pronunció en el cine una de las más grandes actrices de su historia. Greta Garbo, la Divina.
 
La publicidad de la película Anna Christie de 1930 decía “¡Garbo habla!”. Como en tantos artistas que pasaban del cine mudo al sonoro, se temía por su continuidad. Muchos no superaron ese paso, y en el caso de Greta Garbo eran muchas las dudas. ¿Cómo aceptaría el público americano su voz y además su fuerte acento sueco?... 

Realmente les fascinó su voz, tanto como su belleza. Su voz profunda, expresiva y su fuerte acento fascinaron al público americano. Su primera frase se puso de moda y sus éxitos en el cine sonoro cayeron uno tras otros hasta que ella quiso, que por desgracia para los que amamos su cine, fue demasiado pronto.



Fred Astaire, el arte de pisar el cielo

Había aprendido a bailar porque se aburría mientras esperaba a que su hermana Adele terminase sus clases de baile. Ella fue su primera pareja de baile. Estuvieron trabajando 16 años en Broadway. Cuando ella se casó con el hijo de un Lord inglés, el decidió probar suerte en Hollywood. 

"no sabe actuar. No sabe cantar. Se está quedando calvo. Puede bailar un poco". Estas eran las observaciones de la primera prueba de Fred Astaire. No sabemos que sería del cazatalentos que dio semejante opinión, lo que si sabemos es que ese bailarín sin futuro cambió la historia del cine musical.

En el documental que produjo rtve y emitió en su programa "Días de cine" para homenajear a Fred Astaire con motivo de los 30 años de su muerte, se recuerda su vida, sus películas, sus bailes, y ya de paso para quien se anime, podemos tomar una clase de claque.




El banquete de los Genios. Un homenaje a Luis Buñuel

Según comentó Billy Wilder, su amigo George Cuckor, tenía por costumbre hacer una comida de amigos todos los años poco antes de la entrega de los Oscars. En 1972 esa comida se adelantó con un fin, los habituales de esa reunión querían homenajear a un director al que todos admiraban, Luis Buñuel.

El discreto encanto de la Burguesía había sido nominada a dos Oscars y Luis Buñuel junto a su hijo Rafael, al productor Serge Silberman y el guionista Jean-Louis Carrière acudieron a su promoción. 

George Cuckor era el anfitrión y el primero en llegar fue Buñuel junto a Siberman, Carriere y su hijo que residía en Los Ángeles. Don Luis pensaba que era una reunión informal con el director americano y su sorpresa fue que al momento apareció John Ford, luego Alfred Hichtcock y a continuación fueron llegando el resto de los comensales, William Wyler, Billy Wilder, George Stevens, Rouben Mamoulian, Robert Wise y Robert Mulligan. 

Solo faltó un invitado, el más admirado por Luis Buñuel, Fritz Lang que estaba bastante enfermo, pero al terminar la reunión Cuckor acompañó al director español a casa de Fritz Lang para que pudieran charlar. John Ford se tuvo que marchar por el mismo motivo nada más terminar la comida. Fallecería unos meses después. 

En la reunión también estaban el cronista Charles Champlin, que escribió la crónica del homenaje y la publicó el 20 de noviembre en Los Angeles Times y el fotógrafo Marv Newton que convirtió la foto que tomó del grupo de invitados en una de las imágenes más conocidas de la historia de Hollywood y que hizo que aquella reunión se conociera como "El banquete de los genios".

La famosa foto fue tomada al terminar la comida, por ese motivo no está John Ford







El banquete de los genios, Un homenaje a Luis Buñuel de Manuel Hidalgo

La única Mujer. La maravillosa mente de Hedy Lamarr por Marie Benedict

Hedy Lamarr no solo era una científica formidable, sino que tenía una historia tan formidable como ella. 

Básicamente, era una refugiada judía que se casó con un traficante de armas austriaco que proporcionaba armamento a Mussolini y probablemente también a Hitler. Escapó de este marido controlador y llegó a Hollywood para convertirse en una actriz famosa. Instigada por su deseo secreto de ayudar en tiempos de guerra, desarrolló inventos para ayudar al bando aliado.

Cuando leí porque Marie Benedict había escrito su libro "La única mujer", descubrí que lo mismo que a ella le había llevado a escribirlo, a mi me había llevado a leerlo, saber más de la apasionante vida de Hedy Lamarr. Es imposible conocer algo de esta maravillosa mujer sin querer saber más sobre ella. 

Si es vuestro caso os recomiendo esta historia novelada de la vida de esta grandísima mujer, inventora y actriz.


Lá única mujer. Marie Benedict

Viena, 1933. Para Hedy Kiesler, joven actriz judía, su belleza ha sido su salvación y su tormento: la protegió de los nazis, pero la condujo a un opresivo matrimonio con el traficante de armas de Hitler y Mussolini. Subestimada por todos a su alrededor, escuchó los planes secretos del Tercer Reich cuando acompañaba a su esposo a fiestas y cenas de negocios.

Dividida entre el glamour y la culpa por ser una privilegiada, decidió escapar hacia Hollywood con un nuevo nombre: Hedy Lamarr. Pronto se convirtió en un icono del cine estadounidense. Nadie en torno a su nueva vida sospechaba que poseía información confidencial sobre los nazis ni que ella misma guardaba un secreto aún mayor: que era una científica capaz de desarrollar la tecnología necesaria para acabar pronto con la guerra. Siempre y cuando la escucharan.




Marie Benedict, autora de una nueva novela sobre Hedy Lamarr

La única mujer en ebiblio 


En el calor de la noche, mucho más que un film policiaco

Entre tantas y tantas películas en las que un personaje negro se ve en peligro por la masa racista repleta de odio e incultura de un pequeño pueblo sureño, la película de Norman Jewison continúa siendo la referencia. 

Esta película no es una simple película de policías que, obligados a colaborar investigan un asesinato, es un retrato social del sur de Estados Unidos. La situación del racismo en el país estaba en un momento crítico. 

No parece a priori muy razonable que una película que se ambienta en el caluroso verano de Mississippi se rodara en otoño en Illinois. De hecho, algunos de los actores tuvieron que rodar con trozos de hielo en la boca para evitar que, por la noche, su aliento apareciese en cámara. Fue Sidney Poitier quien insistió en que la película se rodara en el norte del país, después de que él y Harry Belafonte estuviesen a punto de ser asesinados por el Ku Klux Klan durante una visita a Mississippi. Por exigencias de la producción (una de las escenas tenía que rodarse en un campo de algodón, y no hay muchos campos de algodón en Illinois), el rodaje se trasladó fugazmente a Tennessee. Después de que Poitier volviese a ser amenazado por los supremacistas blancos, la filmación se interrumpió y el equipo tuvo que regresar a Illinois. 

La gala de los Oscar en la que 'En el calor de la noche' competía a mejor película fue retrasada del 8 al 10 de abril debido al asesinato del activista Martin Luther King. La película se impuso a, entre otras, Adivina quién viene esta noche. 

La película apoyada en las grandes interpretaciones de Sidney Poitier y Rod Steiger, fue un gran éxito. Tiene una gran banda sonora compuesta por Quincy Jones y el titulo principal está interpretado por Ray Charles. 

Aunque "En el calor de la noche" ganó cinco Oscars, entre ellos el de mejor película y mejor actor, no se puede considerar una obra maestra, pero si una grandísima película que trata un tema importante, y por desgracia siempre de actualidad.


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Jane, ¿Un cambio de moda en la jungla?

En la película Tarzán, Maureen O´Sullivan lucía un ajustado bikini de piel, pero en la siguiente película de la serie, lucía un traje entero con falda. ¿Había cambiado la moda en la jungla? Evidentemente no, lo que ocurrió fue que al cine había llegado el código Hays.

El código Hays fue un código de conducta de las grandes productoras de cine de Hollywood por el cual se promulgaba, con un carácter restrictivo, qué se podía ver en pantalla y qué no. Sobre el tema del vestuario en el cine, éste decía: 

 • El hecho de que el cuerpo desnudo o semidesnudo pueda ser hermoso no convierte en moral su utilización en el cine. Los materiales translúcidos, así como la silueta, son con frecuencia más insinuantes que un desnudo total 

 • El desnudo completo no se admite en ningún caso. Esta prohibición alcanza al desnudo de hecho, al desnudo en siluetas y a toda visión licenciosa de una persona desnuda a la vista de otros personajes del film. Se prohíbe igualmente mostrar los órganos genitales de los niños, comprendidos los de los recién nacidos. 

• Los órganos genitales del hombre no se deben delatar bajo un ropaje de bolsas o de pliegues sugestivos. Si un tema histórico exige un pantalón ajustado, la forma característica de los órganos genitales debe ser suprimida en la medida de lo posible. 

• Los órganos genitales de la mujer no deben delatarse bajo un tul, ni en sombras ni como un surco. Toda alusión al sistema capilar, incluidas las axilas, está prohibida. 

• Las escenas de quitarse las ropas deben evitarse si no son indispensables para la trama. En lo sucesivo queda prohibido mostrar a las mujeres quitándose las medias. Nunca un hombre deberá quitar las medias a una mujer. No está permitido para los hombres quitarse el pantalón. Si el argumento lo exige, se les puede mostrar con el pantalón ya quitado a condición, sin embargo, de presentarlos con una ropa interior conveniente. 

• Las exhibiciones están prohibidas. El ombligo también. 

• Los vestuarios de la danza que permitan exhibiciones inconvenientes y movimientos indecentes durante la danza están prohibidos.  

El Código Hays se aplicó desde 1934 hasta que se abandonó en 1967. En este año entró en vigor un nuevo sistema de clasificación por edades


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¿Quiénes eran “Los cuatro ruiseñores”?

“Los cuatro ruiseñores” era un grupo de hermanos que viajaban por Estados Unidos con un espectáculo de vodevil en el que cantaban y representaban pequeñas obras de teatro.

En una representación en un pueblo de Texas, a mitad de la actuación, el público, en su mayoría rancheros, se levantaron y salieron de la sala ante la perplejidad de los que en ese momento estaban en el escenario. Al poco el público volvió a la sala, al parecer en la calle había habido un problema con el ganado y todos le dieron más importancia a ese hecho que a la obra. 

Los cuatro hermanos entonces cambiaron la obra por un dialogo en el que sarcásticamente se metían con el público. La gente que asistía a la representación en lugar de ofenderse se reía de las ocurrencias de los cuatro hermanos. Los cuatro ruiseñores descubrieron así el potencial cómico y la capacidad para la improvisación que pronto les convertiría en estrellas.

Habían nacido Los Hermanos Marx.


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Charada, Una comedia romántica de Stanley Donen

Imagina que un productor llama a un guionista y le dice: 

-Quiero un guión para una película de suspense a lo Hitchcock, pero que sea romántica, y que además sea divertida, y que tenga acción, y ritmo. 

-Pero jefe, combinar todo eso es una charada 

-Pues ya tienes el título, si es que te lo tengo que dar todo hecho. El protagonista será un hombre maduro pero bien parecido, y la protagonista una chica más joven, guapa, y elegante, sobre todo elegante. Ahhh, Y quiero malos, muchos malos, buscaremos para esos papeles secundarios de lujo. Y no escatimaremos en gastos, la haremos en París. 

El 5 de diciembre de 1963 se estrenó Charada, dirigida por Stanley Donen y protagonizada por Cary Grant y Audrey Hepburn. En el reparto estaban Walter Matthau, James Coburn, o George Kennedy. 

La película es una deliciosa combinación de suspense, romance y comedia. Audrey Hepburn demuestra que se mueve en la comedia con la misma elegancia que ella posee y la química con un más que impresionante Gary Grant, es la clave del éxito de la película. 

Las actuaciones de los grandísimos secundarios son para subir nota. Y lo mejor es que casi 60 años después sigue igual de fresca y entretenida. 

Preparad las palomitas. 


Argumento (Podría contener spoiler) 

Reggie Lambert (Audrey Hepburn) es una mujer casada que está pasando unas vacaciones en una estación de esquí. La adinerada señora conoce aquí a un interesante hombre llamado Peter Joshua (Cary Grant). 

Cuando regresa a París, con la intención de pedirle el divorcio a su marido Charles, se encuentra su vivienda vacía y todas sus propiedades vendidas. Su sorpresa es mayor cuando se entera que su esposo ha sido asesinado y todo el dinero que poseían también ha desaparecido. El marido de Reggie está metido en asuntos turbios y ella está en peligro.








Columbia Pictures y la dama de la antorcha

Es curiosa la historia del nombre de la compañía Columbia Pictures. 

En un principio la compañía tenía por nombre las iníciales de sus fundadores CBC, pero la gente empezó a inventarse nombres con esas letras, hasta que uno “Corned Beef and Cabbage - CBC” (Carne ahumada con coles) empezó a arraigar y a conocerse así la compañía. 

 Los propietarios cansados de que se conociese sus estudios por ese mote decidieron cambiar el nombre y adoptar una imagen con la que el público no pudiera meterse. El nombre de Columbia es el nombre poético de América y la dama de la antorcha es la personificación femenina de los Estados Unidos. Evidentemente se acabaron las bromas con la compañía. 

Es un misterio quien fue la mujer que sirvió de modelo original para la imagen de la compañía, tan famosa como el león de la Metro, el monte de la Paramount o el castillo de Disney.


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La historia oculta detrás de los logotipos de los estudios de Hollywood


Olivia de Havilland y Joan Fontaine, odio entre hermanas

Olivia de Havilland y Joan Fontaine fueron hermanas y no se conoce en Hollywood un odio igual en toda su historia. Las actrices nunca se llevaron bien, su enemistad era pública y ambas aireaban sus desavenencias. Su rivalidad empezó desde niñas, aumentó cuando las dos se convirtieron en actrices y duraría toda su vida, tanto dentro como fuera de la pantalla.

Las dos nacieron en Tokio, eran hijas de Walter de Havilland, un abogado británico que se dedicaba a patentes internacionales. Su madre, Lilian Rush, intentó sin éxito triunfar en el cine. Cuando el matrimonio se divorció, Lilian junto a sus hijas rehizo su vida en california, donde se volvió a casar con un hombre de negocios, George Fontaine. La idea de asentarse en California tenía como finalidad que sus hijas, sobre todo Olivia, triunfasen en el cine.

Olivia era la mayor, la más guapa y la más lista frente a Joan, la pequeña y enfermiza. La madre trataba mal a Joan y lo que era peor, permitía a Olivia que tratase mal a su hermana. La mayor pronto se independizó porque no se llevaba bien con el marido de su madre. Hollywood abrió sus puertas a esa joven que adoptó como nombre artístico su propio nombre Olivia de Havilland. En un par de años consiguió papeles principales. Joan Fontaine, que adoptó el apellido del marido de su madre, entró en Hollywood con papeles menores.

Su rivalidad en el cine empieza en "Lo que el viento se llevó" cuando le propusieron a Joan que hiciera el papel de Melania, y esta desilusionada por no haber conseguido el papel protagonista, comentó: “Para hacer de pava es mejor que  llamen a mi hermana Olivia”. El papel fue para Olivia de Havilland que consiguió su primera nominación a los Oscars y un éxito rotundo.

En 1940 O´Selznick, el mismo productor de "Lo que el viento se llevo",  ignoró el desplante de Joan Fontaine y le dio el papel, que en principio era para Vivien Leigh, de señora de Winter en Rebeca. El rodaje fue una pesadilla. Lawrence Olivier trataba muy mal a la joven actriz que había ganado el papel a su mujer. Pero todo terminó muy bien, con una nominación al Oscar y un salto fulgurante al estrellato.

Su repentina celebridad desató los celos de Olivia y al año siguiente su relación todavía empeoró más cuando ambas fueron nominadas al Oscar a la mejor actriz de 1941. Joan competía por Sospecha y Olivia por Si no amaneciera. Y el Oscar fue para Joan Fontaine, la única estatuilla de su carrera. Algo que no encajó nada bien su envidiosa hermana.

En 1947 Olivia De Havilland ganó su primer Oscar por la película "La vida intima de Julia Norris". En la ceremonia de entrega, Joan se levantó para felicitarla, pero su hermana pasó de largo rechazando su felicitación e un gesto público de humillación.

Hubo una tregua a raíz de la enfermedad que terminó con la vida de su madre en 1975. Pero tras el fallecimiento la ruptura entre las dos hermanas fue definitiva. Olivia acusó a su hermana de no ir al funeral porque según ella tendría otra cosa mejor que hacer. Joan no le perdonó que, según ella, le avisara del fallecimiento después del sepelio de su madre.

Joan murió en 2013, con 96 años, sin reconciliarse con Olivia y dejó una frase que hablaba de la rivalidad que había existido entre ellas: “Yo me casé primero, gané el Oscar antes que Olivia y, si muero antes que ella, seguramente se indignará porque le he ganado también en eso”. Olivia falleció a los 104 años, en el 2020 siendo la última leyenda viva del Hollywood clásico.


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Documentación

¿Cuál fue el origen de la rivalidad entre Olivia de Havilland y Joan Fontaine?

Olivia de Havilland y Joan Fontaine: celos y odios entre hermanas por culpa de su madre

Olivia de Haviland en wikipedia

Joan Fontaine en wikipedia


78/52. La escena que cambió el cine

“Psicosis’ era un chiste, pero descubrí que algunos se la tomaban en serio. Mi intención era hacer que la gente gritara, chillara y todo eso... pero no más que en una montaña rusa”. 

Los actores y actrices lucían en la pantalla durante toda la película. Eso era ser protagonista y a eso estaba acostumbrado el público. Por este motivo cuando Hitchcock asesinó a su protagonista a mitad del film la gente quedó terriblemente impactada. Habían visto la muerte a través de los ojos de Janet Leigh. En la situación más relajada posible le había llegado la muerte. En el sitio más seguro de una casa, donde te puedes encerrar, habían asesinado a la protagonista. 

Hicthcock consiguió llevar el pánico a los hogares de los que veían su película generando inseguridad. Y todo ello a pesar de solo insinuar. Allí donde no llegó el cuchillo del asesino, llegó una música chirriante que nos acompañaba cuando nosotros mismos nos metíamos en la ducha. 

78 Tomas y 52 cortes para elaborar una escena de algo más de dos minutos que iba a revolucionar el cine, desde la manera de rodar las imágenes desde distintos ángulos de cámara, pasando por la inolvidable música compuesta por Bernard Herrmann o la estudiada coreografía en la que Marion intenta defenderse de su asesino hasta caer desplomada agarrada a las cortinas del baño. 

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Este fantástico y premiado documental nos cuenta como se hizo una de las mejores escenas de la historia del cine.







Destino, El corto de Salvador Dalí y Walt Disney

En una fiesta organizada por Jack Warner, el presidente de la Warner Bros, se encontraron dos genios Disney y Dalí. Entre los dos existía una admiración mutua  y empezaron a plantearse trabajar juntos un cortometraje.

Walt Disney asignó al proyecto a John Hench, uno de los mejores animadores de Disney, que se puso a trabajar con él artista español. La canción “Destino” de Armando Domínguez se utilizó como fondo musical y dio título al corto. Se llegaron a realizar más de 200 storyboards y bocetos pero había diferencias artísticas importantes. Disney quería narrar una historia de amor, Dalí quería una explosión de vida.

Disney y Dalí no se pusieron de acuerdo en el concepto del cortometraje y el proyecto quedó aparcado definitivamente. Era 1945, y a las importantes diferencias artísticas, se unía una difícil situación económica como consecuencia de la II Guerra Mundial.

Esto no impidió que ambos genios mantuvieran una gran amistad, incluso planteándose colaborar en nuevos proyectos que no llegaron a salir adelante.

El corto estuvo archivado casi 60 años, hasta que en 2003 Roy E. Disney recupero los bocetos y la historia. Del nuevo proyecto se encargó Monfréy Dominique que acudió a John Hench para conocer todos los detalles del proyecto original. En el corto se combinó la animación tradicional con animación por ordenador y Monfréy con otra perspectiva y otros medios consiguió fundir las ideas que Dalí y Walt Disney habían aportado. 

"Destino” se estrenó con un gran éxito de la crítica y se ha convertido desde entonces en una obra de culto con el sello de dos genios.


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"Destino", el corto de Disney y Dalí

"Destino" en wikipedia

"Destino"


Mansfield. Quiero ser estrella de cine

La Navidad de 1954, Jayne Mansfield, por entonces solo una chica que quería ser famosa, llamó al publicista de Hollywood Jim Byron y le dijo: “Tengo los pechos más grandes de Hollywood y quiero que me conviertas en estrella de cine”. Aunque según ella tenía un coeficiente intelectual de 163, hablaba cinco idiomas y tocaba varios instrumentos no aportó más currículum, pero el publicista, después de conocerla en persona, urdió una estrategia burda pero con un resultado increíble. 

En la fiesta del estreno de la película de John Sturges, protagonizada por Jane Russell, “La sirena de las aguas verdes (Underwater)” que se celebraba junto a una gran piscina, Jim Byron coló a Jayne Mansfield como una de las actrices del film, aunque no aparecía ni por asomo. La despampanante actriz lucía un escandaloso traje ajustado debajo del que llevaba un bikini bastante más pequeño de lo que ella necesitaba. Cuando logró captar la atención de todo el mundo, se deshizo del vestido y se arrojó a la piscina. La parte de arriba del bikini no aguantó la presión y ella salió de la piscina en topless delante de la prensa, fotógrafos, y la plana mayor de la industria de Hollywood”. Había nacido una estrella

Aunque su carrera fue corta, Mansfield cosechó grandes éxitos de taquilla y fue galardonada con los premios Theatre World, Globo de Oro y Golden Laurel.

Apoyada en su imagen de chica rubio platino, con su opulenta figura y su prominente busto, Jayne Manfield se convirtió en una leyenda, en la que se confunden la realidad con los rumores, en algunos casos creados por su entorno para que no se dejase de hablar de la actriz, todo ello aderezado con desnudos en Playboy y alguna película, mansiones rosas en forma de corazón, marido Mr. Universo y varios hijos, culto satánico y para terminar una muerte por decapitación, que no fue tal.

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Documental Mansfield 66/67


Cary Grant. Unos inicios nada fáciles

Su nombre real era Archivald Alexandre Leach. 

Nació en la ciudad portuaria de Bristol, Inglaterra, el 18 de Enero de 1904. Su padre, Elias Leach, trabajaba como sastre, mientras su madre Elsie Kingdon, de una clase superior, se encargaba de la casa. Los bajos ingresos y la desilusionante perspectiva de futuro generaban constantes discusiones que terminaba con el padre en el bar y la madre con constantes depresiones. 

La muerte de su hijo mayor agravó los problemas psicológicos de Elsie que finalmente sufrió un colapso mental. Su marido la ingresó en un sanatorio mental en 1913, Al pequeño Archie que desde ese momento se criaría con su abuela paterna, su le dijo que su madre estaba enferma y guardando reposo en un balneario 

Archie vivió una infancia difícil, después de la supuesta muerte de su madre, su padre se despreocupó cada vez más del niño que creció falto de afecto y en una situación económica complicada, pues al parecer Elias tenía un hogar ilegitimo paralelo.

A pesar de todo, Archie, fue un alumno ejemplar que para sacarse un dinero empezó a colaborar como ayudante de iluminación en un teatro. Inmediatamente supo que se quería dedicar a actuar. Con 14 años falsificó la firma de su padre y se unió a la compañía de Bob Pender, pero diez días después su padre lo encontró y lo devolvió a su casa. El chico se negó a estudiar y empezó a crear problemas en el colegio hasta que provocó su expulsión y su padre resignado le permitió incorporarse a la compañía de nuevo. 

Durante dos años estuvo aprendiendo todo lo que la compañía podía enseñarle, a actuar, a bailar, a cantar, pero también a hacer trabajos técnicos. Fueron años duros pero una invitación a la troupe para trabajar una temporada al otro lado del atlántico cambió su carrera. 

El joven de 16 años se enamoró de la Gran Manzana, y poco a poco fue adquiriendo la elegancia de las estrellas que veía en la gran pantalla en sus días libres. Cuando la compañía dos años después volvió a Inglaterra, el joven Archivald decidió quedarse en Nueva York y probar suerte en el teatro Broadway, aunque al principio tuvo que alternar pequeños papeles con vender corbatas pintadas a mano en la calle, poco a poco fue cogiendo mayor protagonismo en las obras. 

Cinco años después decidió poner rumbo a un Hollywood donde acababa de nacer el cine sonoro. A la Fox, que le hizo la primera prueba, le pareció un chico del montón, pero su presencia llamó la atención en la Paramount, que le hizo un contrato de 450 dólares a la semana y le cambió el nombre, tenía 28 años y una carrera por delante.

Había nacido Cary Grant.


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El estreno de "Lo que el viento se llevó en España", escenario de una trama de espionaje.

Era más que probable que “Lo que el viento se llevó” iba a ser censurada. Los militares y diplomáticos alemanes, que ya habían conseguido que España se declarase País no Beligerante en la guerra mundial, presionaban, apoyados por la iglesia, para que la película no se estrenase. Pero la embajada de los Estados Unidos se adelantó y programó un pase para la prensa y las autoridades en el cine Capitol, en plena Gran Vía. El objetivo era intentar evitar esa censura, que la película se estrenase y que a ese estreno asistiera uno de los protagonistas, Leslie Howard, pero más con un sentido espio-diplomático que promocional

La tarde de la presentación, grupos falangista intentaron un boicot y llenaron la Gran Vía de tachuelas y clavos, y nadie pudo llegar hasta el cine en coche, pero nadie quería dejar de ver la película de la que todo el mundo hablaba, y fueron andando desde donde los coches quedaron pinchados hasta el cine, convirtiendo la Gran Vía en una pasarela de toda la gente importante.

Entre las personas que asistieron, por invitación expresa del embajador, estaba Conchita Montenegro y su prometido el diplomático Ricardo Giménez-Arnau. La actriz había trabajado en Hollywood y había tenido una relación directa con los actores principales de la película. Conchita recordaba que se tuvo que preparar un texto para una prueba, y quien le daba la réplica era un actor que en un momento del papel, en la que tenía darle un beso fue demasiado apasionado, la española le soltó un empujón, que la leyenda convirtió en un tortazo, pero el caso fue que al actor, que no era otro que Clark Gable, ese carácter le gusto y dijo que esa chica valía mucho. Eso le abrió la puerta de la MGM con quien firmó un contrato. En 1931 en la película “Prohibido” la actriz conoció a Leslie Howard, con quien comenzó un romance a pesar de su diferencia de edad, ella tenía 19, él tenía 40 y estaba casado, pero eso no fue ningún obstáculo. El romance duró cuatro años y cuando terminó se convirtió en una gran amistad.

A la presentación asistió la flor y nata de la sociedad, y entre los mil asistentes estaba la máxima autoridad eclesiástica, el obispo de Madrid, y varios ministros con sus familias. Nadie quería perderse “Lo que el viento se llevó”. La película llegó al público, que tomaba partido por Scarlett, Melania, Rhett Butler o Ashley Wilkes. Cuando llegó la famosa escena del beso entre Clark Gable y Vivien Leigh, aparecieron los boicoteadores con gritos a favor de la falange y el nazismo, y en defensa de la dignidad y la vergüenza, y lanzando clavos a la pantalla. Las autoridades e incluso el obispo intentaron mediar para tranquilizar los ánimos pero la película estuvo parada una hora hasta que las fuerzas del orden público desalojaron a los alborotadores. 

La película fue un éxito. El mismo obispo se la recomendó a Franco que pidió una copia para verla en privado. Esté también quedó encantado con la película, y se manifestó partidario de que se distribuyera en toda España por el retrato que el film hacía del sufrimiento, la supervivencia y la reconstrucción de un país tras una guerra. Pero por la presión de los nazis y la iglesia finalmente fue censurada.

Entre las escusas, los censores observaron una alegría excesiva, que indicaba a las claras una delectación concupiscente, definitivamente pecaminosa, en la cara de la protagonista, Scarlett O´Hara, al día siguiente de su noche de bodas tras su matrimonio con Rhet Batler.

Lo que el viento se llevó no se estrenó en España hasta 1950, diez años después de la presentación organizada por la embajada de Estados Unidos. 

La trama de espionaje que se había preparado con el estreno no funcionó y hubo que buscar un nuevo plan para la visita de Leslie Howard. El actor llegó a España para dar unas conferencias sobre Hamlet y el teatro de Shakespeare y para preparar una futura película en la que interpretaría el papel de Colón. Realmente el espionaje británico del que formaba parte el actor, había preparado una entrevista secreta con Franco, la entrevista había sido concertada por Ricardo Giménez-Arnau, pareja de Conchita Montenegro, la que fuese amante de Leslie Howard.

El actor era portador de un acuerdo que enviaba Churchill a Franco por el que si España volvía a la neutralidad y no participaba en la II Guerra Mundial, el gobierno Británico reconocería el gobierno del dictador. Franco aceptó el acuerdo. Leslie Howard murió cuando volvía a Londres vía Lisboa al ser derribado el avión en el que viajaba por el ejército alemán.


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El mítico romance de Conchita Montenegro y Leslie Howard ('Lo que el viento se llevó')

Cómo los nazis mataron a Leslie Howard aprovechándose de su amante española

La actriz española que influyó en la Segunda Guerra Mundial

Libro Mi pecado de Javier Moro


El ministerio del miedo. Cuando los espías tomaron el ministerio

El ministerio del miedo ha sido una película alabada por muchos, entre las excepciones la del propio Fritz Lang, que siempre se quejó de que no le dejaran hacer a su gusto esta película. Cuando leyó la novela de Graham Greene, le gustó tanto que decidió hacerse con los derechos, pero se le adelantó la Paramount que conocedores de su interés le ofrecieron dirigir la película, y Lang no lo dudo. Dentro del acuerdo estaba la imposición de respetar el guion, y cuando el director lo leyó quiso desvincularse del proyecto, pero era demasiado tarde y tuvo que cumplir con el acuerdo, como siempre en su carrera, profesionalmente.

A pesar de que el guion no era para nada como él lo hubiese escrito, aportó al film una dirección magistral con una mezcla de espionaje, suspense, y thriller psicológico con una puesta en escena en la que desarrolla todos los trucos del cine negro. 

Apoyándose en una gran fotografía en blanco y negro de Henry Sharp, y una iluminación de la que se encargó el propio Lang, logró aportar a la historia algunas escenas fantásticas como el inicio de la película, con un reloj marcando el tiempo que le falta al protagonista para salir de un sanatorio mental donde ha pasado dos años, (nunca unos títulos de créditos han sido tan hipnóticos), la sesión de espiritismo con una voz en off que te hace entrar en trance, o un viaje en tren junto a un hombre ciego que sirve para recordarnos que estamos en el Londres que sufrió los bombardeos alemanes de la II Guerra mundial.

Lang aportó a la película un gran ritmo narrativo para hacer olvidar alguna laguna en el guion, y en poco más de ochenta minutos nos narra una historia a la que nos ha enganchado desde el primer momento con dos elementos, un reloj y una tarta.

La película por momentos recuerda el cine de Hitchcock, pero cuando se ve Con la muerte en los talones es inevitable recordar El ministerio del miedo. Ray Milland, que trabajó con los dos directores, aparta a la película la credibilidad de un personaje que cuanto más intenta solucionar el problema en el que se ha metido más se involucra en la trama.

En una carrera llena de obras maestras esta película puede estar considerada por algunos una obra menor, no es mi caso, pero ya sabéis, una obra menor de Fritz Lang es una gran película, por supuesto, obligada de ver.


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